Mademoiselle, par Berry
Genre : chanson française

Mon avis : Indispensable !

En allumant la radio sur le Mouv’ et en tombant sur Rose d’Anna Tsuchiya.

En découvrant qu’un passager d’un TER entre Lyon et Annecy écoute My Story d’Ayumi Hamasaki.

En ouvrant son Libération de bon matin et en découvrant une news consacrée à cette même Ayumi Hamasaki (qui vient par ailleurs de signer un très bon neuvième album).

Pour tout dire, je n’ai jamais été un grand fan de Dionysos. Ce n’est pas faute d’avoir essayé : j’ai écouté leurs albums avec beaucoup d’attention, j’ai même assisté à un de leurs concerts lors de la tournée consacrée à Western sous la neige. Si je restais relativement hermétique à leurs compositions, je découvrais avec beaucoup d’intérêt Mathias Malzieu et son rapport à l’écriture. C’est par un roman - Maintenant qu’il fait tout le temps nuit sur toi - que j’ai commencé à mieux appréhender l’univers du chanteur. En cet automne 2007, il confirme tout le bien que je pensais de lui. Et je commence à percevoir Dionysos différemment.

La Mécanique du Coeur, c’est d’abord un livre. Ou un CD. Ou un clip. Une fois plongé dans cet univers, on ne sait plus très bien quel était le medium d’origine. Tant mieux, car c’est une belle preuve de la cohérence de l’ensemble ! Mais, avant tout, La Mécanique du Coeur est une histoire : celle de Jack qui naît en 1874 à Édimbourg, le jour le plus froid du monde. Son coeur en reste gelé. Madeleine, la sage-femme qui aide à l’accouchement, est de fait obligée de remplacer cet organe défectueux par une horloge. Procédé risqué qui assure à Jack de vivre tant qu’il ne s’exposera pas à des émotions fortes. En particulier, l’amour lui sera interdit.
Mais la maîtrise des sentiments n’est jamais chose facile. Et l’âme de Jack s’emballe pour une charmante chanteuse andalouse, Miss Acacia, dont il croise inopinément la route. Jusqu’où pourra-t-il aller pour vivre sa passion ?

D’abord protégé par Madeleine, Jack ne saura se conformer toute son existence aux recommandations de sa mère d’adoption. Il tombe amoureux et expérimente de nouvelles sensations : tour à tour timide, exalté ou simplement curieux, il s’ouvre à l’amour comme au monde. Délicieux conte mêlant poésie, idéaux mais aussi réalisme, La Mécanique du Coeur est une parabole sur l’amour.

L’idée géniale sous-jacente à l’album éponyme, c’est de l’avoir considéré comme une bande-originale et même plus : comme un film sonore adapté du livre. Qui dit film, dit acteurs. Ici, ce sont des invités (de grande qualité) qui jouent chacun un rôle. La distribution fait rêver tant elle est parfaite : Emily Loizeau est le Docteur Madeleine, Arthur H le clochard Arthur, Olivia Ruiz incarne Miss Acacia, Grand Corps Malade le méchant Joe, Alain Bashung Jack l’Éventreur, Éric Cantona Jack devenu grand. Les timbres de voix identifient instantanément chacun des protagonistes. Un mot, voire un souffle, suffisent pour que les personnages prennent vie.

On ferait une erreur à établir une filiation trop approfondie entre le monde de Mathias Malzieu et celui de Tim Burton. Si le Français a été bercé par l’imaginaire du réalisateur américain (jusqu’au prénom de son héros, Jack, qui n’est pas sans rappeler le personnage principal The Night before Christmas), il va au-delà de la simple inspiration. Il signe une oeuvre très personnelle, au-delà du seul champ de la littérature ou de la musique. La Mécanique du Coeur fait battre le mien à de nouveaux rythmes. Une bouffée d’air frais que je recommande à tous !

Terminons ce billet par quelques liens pour approfondir la découverte :

• Le très joli clip animé de Tais-toi mon coeur, en duo avec Olivia Ruiz
• Les Inrocks Session #13 consacré à Dionysos, avec des versions accoustiques de Le Jour le plus Froid du Monde, Tais-toi mon coeur, When the saints go marching in, L’Homme sans Trucage.
• Le MySpace consacré à La Mécanique du Coeur

Stéphanie Blanchoud est une jeune comédienne et chanteuse belge. J’ai découvert son univers musical un peu par hasard, en septembre dernier, alors que je compulsais les programmes des principales salles de spectacle de Nantes. J’ai trouvé la sensibilité et l’humour de ses textes intéressants, dans la lignée de cette chanson française que j’aime écouter.
La configuration dans laquelle elle se produisait hier est typique de cette proximité et intimité que peuvent installer sur scène des artistes encore peu connus. Devant moins d’une centaine de personnes avec pour seul accompagnement un piano, Stéphanie Blanchoud a offert une représentation très divertissante. Sa voix, conjuguée avec l’expressivité de son regard, témoigne de l’expérience qu’elle a acquis via son travail de comédienne.

J’apprécie décidément beaucoup cette atmosphère “piano-bar” qu’offre la petite salle de La Bouche d’Air (dans laquelle Le Pannonica a lui aussi trouvé résidence depuis longtemps).

“2008 vallée est une extrapolation autour des textes et des musiques du dernier disque « Robots après tout » de Katerine. C’est aussi un voyage initiatique dans l’univers de ce chanteur atypique.
Dans un décor apparemment vierge, la musique est au premier plan, précédant la danse. Sept personnages en quête de l’autre vont pourtant faire l’apprentissage soit du chant soit de la danse comme un nouveau territoire à conquérir, à investir. Histoires des chansons mêlées aux fictions gestuelles, une forme apparaît sans hiérarchie entre ces deux univers. Ici, pas d’instrument de musique mais des voix et des corps qui viennent détourner les chansons et détrôner la place du chanteur et de la chorégraphe.
2008 vallée est un futur proche, sincèrement utopique, purement fictif et légèrement « hippie ». C’est aussi un paysage faussement lunaire, faussement gonflé mais au cœur  d’une rencontre bien réelle entre l’univers de ces artistes. “

Je suis l’évolution de Katerine depuis quelques années, sachant que sa trajectoire a par ailleurs croisé celle d’une autre artiste que j’apprécie, Helena Noguerra. J’apprécie l’univers apparemment déjanté dans lequel il évolue. “Apparemment” car, à y regarder de plus près, les créations de Katerine se posent comme des critiques parfois féroces de notre société.

L’objectif de 2008 Vallée était de mettre en scène, de donner corps aux chansons de Robots après tout. Pari difficile mais réussi, avec un dispositif scénique original (une grande scène occupée par sept chanteurs/danseurs et leur micro), une réinterprétation de la plupart des titres de l’album, parfois combinés entre eux (ainsi de Borderline et de 20-04-2005), des moments vraiment drôles (à l’instar de ce dialogue pré-enregistré entre Katerine et Mathilde Monnier alors que cette dernière évoque ses préoccupations capilaires), un impressionnant travail sur la voix et le corps (sans jamais faire de concession à la bien-pensance esthétique qui voudrait, par exemple, que seuls des corps parfaits puissent monter sur scène ; ici, chaque interprète possède ses aspérités tant physiques que vocales, donnant sens et volume à la pièce). Cette oeuvre est une réussite, même si elle exige une ouverture d’esprit dont ne sont apparemment pas capables tous les spectateurs.

J’étais en effet assis devant six retraités qui ne se privaient pas pour déverser leur bile sur une oeuvre qu’ils ne comprenaient pas. Plus dérangeant : ils s’exclamaient tellement forts que toute la salle les entendait, jusqu’aux artistes sur scène, lors d’un moment où Katerine avait “coupé le son”. Ce comportement, déjà difficilement acceptable au cinéma, est à mon sens intolérable lors d’une représentation d’un spectacle vivant. On peut ne pas aimer, mais on respecte le travail des personnes sur scène en gardant le silence ou en s’en allant. Mais on ne s’exclame pas : “qu’est-ce qu’ils ont du fumer comme pétards avant de monter sur scène !” Je vous passe les remarques encore moins subtiles entendues au cours de cette heure et demi…

Ce concert se tenait dans le cadre de la manifestation annuelle baptisée Les Rendez-Vous de l’Erdre.
Il s’agit d’un festival de jazz généralement organisé le dernier week-end d’août ou le premier week-end de septembre. Pendant trois jours, de nombreux concerts ont lieu tout le long de l’Erdre, un des fleuves qui traverse la ville de Nantes. Les artistes se produisent en plein air, sur des scènes montées sur l’eau. Pas besoin de billet pour assister aux prestations puisque la gratuité est un des leitmotivs des organisateurs.

Cette année, 64 groupes étaient invités à se produire, sur 12 scènes fonctionnant en parallèle. Sur les trois jours qu’ont duré le festival, c’est plus de 120000 spectateurs qui étaient attendus. En parallèle se tient la manifestation “Belle Plaisance” qui donne l’occasion à des dizaines de bateaux de Plaisance de s’exposer au regard de tous pendant un week-end, ajoutant ainsi encore un peu de charme à ce déjà bien joli cadre.

Les Rendez-Vous de l’Erdre donnent la part belle à tous les types de jazz, du classique à l’électrojazz. Une bonne place est accordée aux groupes du cru, mais des artistes connus viennent aussi à la rencontre du public nantais : cette année, des gens comme Daniel Mille, Henri Texier ou encore Erik Truffaz étaient de la partie.

Voilà donc une belle manifestation qui mérite le déplacement ! C’est aussi une parfaite illustration de l’investissement de Nantes dans la vie culturelle, donnant ainsi accès à tous à un joli pan de culture musicale.

Pour en revenir au concert auquel j’ai assisté ce soir, c’était un bien agréable moment. Neuf musiciens sur scène partageant leur amour de la salsa, pendant plus de deux heures. Avec, cerise sur le gâteau, quelques belles improvisations. Une bonne source de dépaysement !

Et le concert qu’a donné Clarika ce soir à la Bouche d’Air de Nantes était une sacrée leçon. Elément qui ne trompe pas : c’est la première fois (depuis que je me rends dans cette salle) que je vois le public continuer de demander un énième rappel alors que les lumières se sont définitivement rallumées. Et finalement obtenir une ultime chanson.

Clarika aimerait se glisser dans les vestiaires des garçons (Les garçons dans les vestiaires), vante les losers (We are the losers), se demande qui elle tirera dans le jeu de cartes du destin (Joker), s’interroge sur les rêves des patineurs (Les patineurs), … De belles fées se sont penchées sur Joker, sa dernière oeuvre en date. D’abord son compagnon de toujours, Jean-Jacques Nyssen. Mais aussi Marie Nimier, Florent Marchet ou encore Michel Jonasz.
Les compositions touchantes des albums studio deviennent particulièrement percutantes en live. Les orchestrations y sont en effet beaucoup plus rock. Le plaisir que la chanteuse prend sur scène est communicatif. Et cela donne la patate aux spectateurs.

Rires et émotion, voilà ce que promet Clarika au début de se prestation. Un contrat rempli haut-la-main !

Au cours de sa représentation, Clarika interprète un titre dédié à Marc Beltra, jeune étudiant français parti étudier à l’Université de Bogota et disparu depuis 2 ans en Colombie. Ce morceau, librement téléchargeable et diffusable, a été enregistré pour éviter que cette affaire ne sombre dans l’oubli. Une sorte de bouteille à la mer pour que l’information remonte avec force en haut lieu. Un beau geste de solidarité, de chanson citoyenne. Et, comme le dit Clarika, c’est à ce genre de démarche que peut aussi servir Internet !

Et c’est plutôt bluffant. Un projet ambitieux et séduisant.

Dig! suit le parcours de deux groupes de la scène indépendante américaine : d’un côté les Brian Jonestown Massacre menés par Anton Newcombe, de l’autre les Dandy Warhols de Courtney Taylor. A leurs débuts, les deux groupes, qui partageaient une énergie et des idéaux communs, se vouaient une admiration réciproque. Dans l’introduction du film, Coutney Taylor explique qu’Anton Newcombe est “le musicien le plus démentiel, le plus doué [qu’il ait] connu, [son] ami, [son] ennemi, [sa] grande inspiration, [son] grand regret“. Mais là où les Dandy Warhols acceptèrent de moduler leur discours afin d’élargir leur public, Anton Newcombe ne fit aucune concession. Ce sont ces trajectoires croisées qu’Ondi Timoner a souhaité mettre en avant.

On peut reprocher au réalisateur certains parti-pris. Les Brian Jonestown Massacre sont présentés comme un groupe maudit, au talent incommensurable jamais reconnu à sa juste valeur. De tels louanges sont-ils pleinement justifiés ? S’il est une certitude, c’est que la sortie de Dig! n’a pas généré un véritable phénomène de masse en faveur du groupe. Jim Jarmusch a bien inséré un titre des Brian Jonestown Massacre sur la bande-originale de son excellent Broken Flowers, cela ne constitue pas une confirmation recevable du génie présumé d’Anton Newcombe. Dans le même genre d’exagérations narratives, citons les excès (usage de stupéfiants, comportement violent) de certains musiciens auxquels Ondi Timoner a certainement donné plus d’importance que de raison. Il faut dire que la dépravation est un impératif dès qu’on touche à la mythologie du rock’n roll.
Malgré ses petites faiblesses - inhérentes, semble-t-il, au type même de documentaire qu’ont souhaité faire les auteurs du film (les personnages réels deviennent les protagonistes d’une histoire qu’il convient de “romancer” à certaines occasions) -, Dig! est un long-métrage passionnant sur la scène indépendante américaine. De la bonne musique, un montage nerveux et un sujet passionnant… voilà quelques-uns des éléments qui font de cette oeuvre un incontournable pour les amateurs de rock !

Si Marianne Faithfull n’est âgée que de 58 ans, elle compte déjà 40 ans de carrière. Son parcours débute en 1964, quand elle passe sous le feu des projecteurs grâce à la chanson As Tears Go By (co-signée par Mick Jagger et Keith Richards). Les succès s’enchaînent jusqu’au jour où sa vie privée commence à occulter son travail d’artiste. Elle se sépare de Mick Jagger, s’adonne aux drogues dures. La traversée du désert dure plusieurs années. Elle signe son grand retour en 1979 avec l’album Broken English. La voix a beaucoup changé depuis l’époque des débuts, contrepartie d’une trajectoire tumultueuse.
Deux décennies plus tard, Marianne Faithfull est toujours là et impose le respect. Elle est une des personnalités les plus charismatiques de la scène musicale mondiale. Son dernier album studio en date, Before the Poison, réunit quelques-uns de ses “héritiers”, à l’instar de PJ Harvey et Nick Cave. Au cours de sa carrière, Marianne Faithfull aura eu la chance de travailler avec les plus grands noms du rock ; ce n’est certainement pas par hasard !

En concert, Marianne Faithfull dégage cette “aura” propre aux plus grands. Ses interprétations sont d’une richesse et sincérité évidentes. C’est ce chacun peut constater sur le récent DVD/CD qui lui a été consacré. Le DVD contient la vidéo d’un concert enregistré à Hollywood au printemps 2005 ainsi qu’une interview pendant laquelle l’égérie des années 60 revient sur son parcours. Le CD, quant à lui, propose une sélection des titres chantés lors de ce spectacle.

Au cours de ce live, Marianne Faithfull interprète des morceaux de son dernier album (The Mystery of Love, No Child of Mine, Crazy Love, …) ainsi que des classiques tels que Trouble in Mind, Broken English ou Sister Morphine. Comment ne pas ressentir de frisson lorsqu’elle entonne Falling from Grace ou Why D’ya Do It ? Comment ne pas être frappé devant l’écho que peuvent avoir encore aujourd’hui des chansons écrites vingt ou trente ans plus tôt ? C’est par exemple le cas de ce fameux Working Class Hero qui, aujourd’hui, parle des Etats-Unis et de la guerre en Irak.

L’ensemble forme un parfait point d’entrée à l’univers de cette grande dame du rock.

Ah, si seulement les nouvelles petites rockeuses dont les maisons de disque nous abreuvent pouvaient n’avoir que le quart du talent et de la classe de Marianne Faithfull…

Je l’avoue, si Da Silva - un de mes coups de coeur de cette rentrée musicale - ne se produisait pas en première partie, il est très peu probable que je serais spontanément allé voir Thierry Romanens. Par méconnaissance de l’artiste. Et j’aurais eu bien tort.

Mais revenons d’abord sur la performance de Da Silva, jeune artiste de 29 ans au parcours atypique (du punk à la chanson française, il y a de la marge !) : l’album (sur lequel on retrouve des visages connus : Albin de la Simone, Françoiz Breut) est l’une des bonnes surprises du moment et le passage sur scène est lui aussi assez enthousiasmant. Il y a du Miossec, du Daniel Darc et du Cali dans ce garçon. D’ailleurs, ce n’est certainement pas un hasard s’il a commencé à s’imposer durant les premières parties de Cali.
La salle était sous le charme ; nombreux étaient ceux qui auraient aimé voir plus longuement l’interprète-compositeur. Pas forcément évident de venir derrière un tel phénomène. Cette configuration rappelait d’ailleurs un concert de 2003 auquel j’avais assisté : Valérie Lagrange s’était produite sur scène avec, sur les épaules, le poids d’une première partie réjouissante assurée par un nouveau venu particulièrement dynamique (Cali).

Mais la comparaison s’arrête là. Car Thierry Romanens a une présence remarquable. Il n’a peut-être pas la plus belle voix de la chanson francophone, mais il a un humour (une gouaille, pour reprendre le terme de son site web) communicatif. C’est bien l’une des premières fois où je m’amuse tant durant un concert.
Accompagné de ses deux accolytes, ainsi que de son dynamisme et de sa bonne humeur, Thierry Romanens a réussi à convaincre un public qui ne lui était pas forcément acquis. Ce Français basé en Suisse fait partie de ces artistes qui mériteraient une reconnaissance plus large. S’il passe dans une salle près de chez vous, surtout, foncez !

Rares sont les concerts véritablement équilibrés entre première et deuxième partie. Cette soirée appartenait à cette catégorie. J’en profite pour tirer mon chapeau aux gérants de La Bouche d’Air qui ont un sacré nez quand il s’agit de préparer leur programmation.

Si je me souviens bien, le premier CD que j’ai acheté était celui de la première tournée des Enfoirés. Un album auquel participaient cinq monuments de la variété française : Véronique Sanson, Johnny Halliday, Michel Sardou, Eddy Mitchell et Jean-Jacques Goldman. Depuis lors, j’ai toujours suivi les Enfoirés, au gré du vent. Si, chaque année depuis que je dispose d’un chéquier, j’envoie un don aux Restos, il y a certainement un lien avec ce rendez-vous musical annuel que je suivais dans ma jeunesse. Avec cette prise de conscience sociale qui m’est venue assez tôt et à laquelle cette émission a contribué.

Les Enfoirés est une manifestation que je prends toujours plaisir à retrouver, une grand-messe qui garantit un espace de visibilité hors du commun aux Restos. Une initiative qui a trouvé un juste équilibre en évitant tout misérabilisme, mais en n’en oubliant pas pour autant de responsabiliser le (télé)spectateur.

L’histoire des Cowboys débute au milieu des années 90, dans la région de Lanaudière : en février 1995, Jean-François Pauzé et Karl Tremblay décident de fonder un groupe de country. Au hasard de rencontres, Marie-Annick Lépine (violoniste classique), Jérôme Dupras (bassiste) et Dominique Lebeau (batterie) les rejoignent.

C’est en 1998 que le groupe enregistre son premier album, Sur mon canapé, distribué dans les réseaux indépendants. Le public commence à les acclamer : en 1999, ils se produisent devant quarante mille personnes lors des fêtes de la Saint-Jean à Repentigny. Le succès ne se démentira pas.

En 2001, les Cowboys signent un contrat avec la maison de disques La Tribu. Cela leur vaut la réédition de leurs premiers enregistrements et de Motel Capri, sorti en 2000. Un an plus tard, c’est au tour de Break Syndical d’arriver dans les bacs. Puis le CD/DVD Attache ta tuque.

En novembre 2004, paraît La grand-messe, un album débarqué officiellement en France le 19 avril 2005. Les Cowboys Fringants se produiront notamment au Ninkasi à Lyon le 17 mai, et au Zénith de Paris le 20 mai.

Les compositions des Cowboys Fringants mêlent influences festives, textes humoristiques ou personnels, et propos plus politiques (dénonçant la montée du néo-libéralisme ou l’exploitation industrielle de l’eau potable). Les instruments sont multiples. Les textes, écrits dans une langue très imagée, ne manquent pas de sel. L’influence country est maîtrisée. L’ensemble est enthousiasmant.

Vous l’aurez compris : la débauche d’énergie des Cowboys est assez irrésistible. En tout cas, je suis sous le charme.

Au fil des ans, Autour de Lucie s’est affirmé comme un élément incontournable de la pop française, malheureusement trop souvent méconnu.

En lisant le troisième volume de Pop en France, la série de numéros spéciaux consacrés à la musique populaire en France par les Inrockuptibles, je suis retombé sur une interview que Valérie Leulliot a donné à l’occasion de la sortie d’Immobile. Des propos intéressants, qui éclairent l’histoire de l’artiste et son rapport au monde et à la musique.

[…] La musique m’est devenue indispensable : c’est le seul moment de ma vie où je n’essaie pas d’intellectualiser les choses, alors que je suis quelqu’un qui passe sont temps à tout analyser. Plus on grandit, plus l’éducation fait qu’on est obligé de serrer la main aux gens, même si on trouve que ce sont d’illustres imbéciles. […]

Je suis fille unique […], je ne parlais pas beaucoup, j’ai eu une enfance très solitaire. Petite, j’étais atteinte de mutisme. Ecrire des chansons est une rééducation que je m’impose. Je m’impose le fait de parler, de dire les choses. Parce que je les ai jamais dites avant. Même à mes parents. Ils ont divorcé quand j’avais 1 an et j’ai eu un gros problème de communication. Quand j’ai commencé à travailler, je n’arrivais pas non plus à m’exprimer. Quand je me suis sentie vraiment mal, je suis allé voir un analyste […] Je prenais ça presque comme un Cluedo, je voulais savoir pourquoi j’étais comme ça. Chaque fois que je parle de la psychanalyse, les gens se referment, c’est pris pour un luxe d’intellectuel ou d’égoïste. Dans ma famille, ça a été tabou. Mais quand on fait un enfant, on n’est pas un être de perfection, donc l’enfant va s’en prendre plein la poire, va prendre tous les problèmes de ses parents. Il faut s’en dégager. J’ai également une aversion terrible pour les contes de fées. A cause d’eux, on se forge une sorte d’éden. Enfant, on est une pâte à modeler et quand on entend à 3, 4 ans “ils se marièrent et eurent beaucoup d’enfants“, on pense que c’est l’aboutissement - on ne sait pas qu’ils divorcèrent et que les enfants furent des mines d’or pour les psychanalystes. Moi, j’ai cru qu’une fois qu’on arrivait au bonheur c’était fini, on y était. J’ai appris depuis que ce n’est pas une destination, et ça m’a fait beaucoup de mal. Peut-être que mes parents ne m’ont pas assez expliqué que la vie était comme ça. […]