La journée a été riche en échanges entre les acteurs de la Flander’s Company et le public. Le programme était chargé, entre rencontres avec la presse, projection-débat, et séance(s) de dédicace (la séance prévue à 18h30 a eu tellement de succès qu’une seconde séance s’est déroulée à 22h30 à l’issue de la projection-débat). Ruddy et Frédéric ont mis le feu à la Grande Halle de la Cité des Congrès. Ils étaient d’ailleurs venus avec quelques cadeaux pour les spectateurs. Notamment le 4e épisode de la saison 3 de la Flander’s Company en avant-première, épisode dont la projection a remporté un véritable succès populaire. Voilà qui présage du meilleur pour le reste de la saison, à découvrir sur NoLife le vendredi, à partir de fin novembre.

Vous pouvez d’ores et déjà retrouver nos photos de cet événement sur la page Facebook d’Univers partagés. De plus, nous vous proposerons, d’ici la fin de l’année, un montage vidéo de la conférence. Un des membres de notre équipe, Yann, a en effet filmé les débats, et nous avons récupéré la sortie son des micros. De quoi vous offrir prochainement un souvenir supplémentaire de cette mémorable soirée !

Les Utopiales ne sont pas évidemment finies. Vous avez jusqu’à dimanche pour vous procurer, en avant-première, les DVD de la saison 2 de la Flander’s Company sur le stand FNAC. Par ailleurs, n’oubliez pas la journée Manga-tan, dimanche, avec sa conférence sur le manga, son concours de cosplay et sa projection en avant-première d’Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance. Au plaisir de vous voir sur le festival !

Voilà plusieurs mois que je rêvais de proposer au public la suite lors de la journée Manga-tan 2009. C’est désormais chose possible, grâce à Dybex.

Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance, suite magistrale du volet proposé l’an dernier, sera en effet diffusé lors de la journée Manga-tan des Utopiales, le 1er novembre 2009 à 18h15. Nous vous proposerons le film en version originale sous-titrée français (notre équipe de traduction planche actuellement sur ce sous-titrage). Une projection unique, qui vous donnera l’occasion de faire la connaissance de Mari Illustrious Makinami, le nouveau personnage que ce long-métrage introduit, de réentendre des musiques familières mais dans un tout autre contexte (la bande originale contient ainsi des compositions de KareKano) et, surtout, de découvrir la saga Evangelion avec un tout autre point de vue.

Evangelion: 2.0 You Can (Not) Advance est dans la droite lignée du premier volet. Les Evangelion que produit la NERV sont le dernier rempart de l’humanité contre le danger que représentent les Anges. Mais l’émergence de nouvelles unités - qu’il s’agisse de l’Eva 05 en prise avec le troisième Ange ou de l’Eva 02 qui arrive à Tôkyô avec à son bord le pilote Asuka Langley Shikinami - peine à contenir les différentes attaques auxquelles le monde est confronté. Et les plans de la NERV, tout autant que ceux de la SEELE (l’organisme qui paraît tirer toutes les ficelles de ce conflit planétaire) semblent bien mystérieux. Une chose paraît toutefois certaine : rien ne sera plus jamais comme avant. Evangelion, comme vous ne l’avez jamais vu !

Grand merci à Dybex pour sa confiance, et au pôle cinéma de Jean-Marc Vigouroux pour son soutien logistique.

Pour terminer - et se préparer comme il se doit -, voici le trailer de ce film :

Nous avons droit, en cette fin d’année, à un véritable foisonnement cinématographique autour des œuvres phares de Jean Van Hamme. Entre le film de XIII, diffusé sur Canal + durant le mois de décembre, et la sortie du long métrage adapté de Largo Winch, les amateurs de thriller financier et politique devraient en avoir pour leur argent. Je me focaliserai ici sur l’oeuvre de Jérôme Salle, basée sur les quatre premiers tomes de la BD de Francq et Van Hamme.

Le samedi 29 novembre dernier, le cinéma Pathé Atlantis proposait une journée dédiée à Largo Winch : projection du long métrage en avant-première en présence de l’équipe du film, dédicace de Francq, Jérôme Salle et Tomer Sisley, … Le personnage de milliardaire aventurier créé par Jean Van Hamme il y a 30 ans est plus que jamais sous le feu des projecteurs !

Le film s’ouvre sur l’assassinat de Nerio Winch, magnat de l’industrie, image même du self made man à l’ancienne. C’est justement le moment que choisit un ancien marchand d’armes reconverti dans les affaires pour lancer une OPA sur le groupe W, dont Nerio occupait la tête. Ne pouvant supporter d’être plus longtemps déstabilisé, le conseil d’administration du groupe W est conscient de la nécessité impérieuse de désigner un nouveau dirigeant. C’est sans compter sur le secret que Nerio Winch gardait précieusement : il s’était trouvé un fils, un garçon qu’il avait adopté voilà plus de 20 ans. Cette révélation ne fera pas que des heureux parmi les ambitieux du groupe. Pour réussir à s’imposer, Largo devra non seulement prouver qu’il était adoubé par Nerio, mais aussi qu’il possède toutes les aptitudes pour occuper le poste. Une tâche d’autant plus difficile à accomplir qu’ il est menacé par un complot visant à l’écarter.

“Adapter, c’est trahir” avait déclaré Claude de St Vincent, directeur général adjoint du groupe Média-Participations, pour justifier les libertés prises par le dessin animé de Valérian. Le même constat s’applique pour bien des films inspirés de BD européennes ou américaines. En guise de parenthèse, nous relèverons juste que les Japonais font généralement le choix inverse et restent au plus proche du format papier, et ce avec plus - Death Note - ou moins - Nana - de succès (en attendant de découvrir, le 14 janvier prochain, l’adaptation cinématographique de 20th Century Boys).

Mais revenons au sujet qui nous occupe ici, à savoir les aventures de ce minot de 26 ans qu’est Largo Winch, plus habile pour tomber les femmes que pour porter le costume-cravate du bon business-man. Les scénaristes se sont accordées une bonne marge de manoeuvre par rapport au matériel originel qu’ils avaient à leur disposition (Simon Ovronnaz manque à l’appel, le QG du groupe W est implanté en plein dans Hong-Kong, le machiavélisme de Nerio est un peu gommé), mais sans trahir l’esprit insufflé par Van Hamme. On est ainsi loin de la déception qu’avaient constitué les 38 épisodes de la série TV. L’adaptation est intelligente, elle conserve l’essence de l’œuvre originelle (la paternité, la trahison, les intrigues financières) tout en tirant parti des spécificités du cinéma (flash-back, plans sur l’île de Sarjevane, etc.). Les gardiens du temple crieront peut-être au scandale. Ils oublient malheureusement un peu vite que la BD est elle-même une adaptation. La proposition cinématographique de Jérôme Salle est tout à fait louable : elle réussit à la fois à interpeller le spectateur qui a déjà lu la version papier et à happer le néophyte. Le film n’est bien sûr pas exempt de défauts, à l’instar de scènes d’action convenues et de quelques longueurs. C’est d’ailleurs quand elle s’éloigne de l’action pour décrire les rapports entre les personnages que la réalisation sonne le plus juste. Les faiblesses du long métrage sont ainsi compensées par de vrais morceaux de bravoure, notamment dans le portrait des relations qu’entretient Largo avec sa famille adoptive. Saluons l’audace du casting, qui donne à un humoriste méconnu du grand public, Tomer Sisley, le rôle titre. Un choix payant car on ne doute pas une seule seconde de sa crédibilité dans la peau du jeune milliardaire. Kristin Scott Thomas fait également forte impression dans le rôle d’une femme de poigne du groupe W. Vous l’aurez compris, Largo Winch constitue une des bonnes surprises de cette fin d’année, un agréable divertissement qu’on soit - ou non - lecteur de la BD.

La projection du film était suivie d’une rencontre avec la presse dont vous trouverez la retranscription également dans ces pages.

Largo Winch, de Jérôme Salle
Sur un scénario de Jérôme Salle et Julien Rappeneau
D’après la BD de Jean Van Hamme et Philippe Francq
Avec Tomer Sisley, Kristin Scott Thomas, Gilbert Melki, Mélanie Thierry, …
A partir de 13 ans
Sortie française : 17 décembre 2008

Quand on réalise un film d’action comme Largo Winch, comment cherche-t-on à se placer par rapport aux films d’action américain ?

Jérôme Salle : Largo est un film d’aventure plutôt qu’un film d’action. Ceci précisé, je reconnais que nous sommes obligés de rivaliser avec les films américains. Car pour disposer d’un budget suffisamment confortable pour ce genre de production, on est obligé de vendre les droits dans le monde entier. Du coup, par effet de levier, on est obligé d’élever le niveau. Il importe toutefois de ne pas copier les Américains. Il faut faire avec ce que nous sommes, avec notre culture.

Comment avez-vous géré la prise de liberté nécessaire à une adaptation cinématographique ? Entre autres, comment vous êtes-vous placé par rapport aux fans de la BD ?

Jérôme Salle : J’avais lu une interview très sensée de Georges Lucas - et il a sacrément plus de bouteille que nous dans le domaine ! - à propos d’Indiana Jones : “Chaque fan a sa propre idée concernant vos héros. Il faut toutefois s’en affranchir et prendre le parti de poursuivre avec sa propre sensibilité“. J’ai justement essayé de proposer mon adaptation, ma vision de la BD. Dans ce processus, ce qui m’apparaissait vraiment essentiel, c’était d’identifier l’esprit de la BD et de le conserver. Mon idée était de proposer, avec d’autres moyens, le même plaisir, la même jubilation que l’on éprouve devant l’œuvre originelle.

Philippe Francq : Vous ne ressentiriez pas de suspense si l’adaptation cinématographique était un simple décalquage du film. À titre personnel, j’étais assez enthousiaste la première fois où j’ai vu le film. J’étais véritablement capté et je me suis laissé entraîner dans l’histoire.

Justement Philippe, en tant que dessinateur, quelle est votre réaction quant aux différences que le film introduit par rapport à la BD ?

Philippe Francq : Tout d’abord, il ne faut pas oublier que Largo Winch fut d’abord un roman de Jean Van Hamme ! La BD est elle-même une adaptation. Je ne me sens donc pas propriétaire du personnage. Jean et moi sommes les premiers à apporter du changement dans nos histoires, dans la constitution de nos personnages. Il y a quelque chose de très agréable à prendre à contre-pied les habitudes des lecteurs. D’ailleurs, dans les deux prochains tomes, pas mal d’éléments vont être chamboulés. À titre d’exemple, cela fait dix ans que je supplie Jean de pouvoir mettre en place un nouveau building pour le groupe W. L’actuel est complètement dépassé : ce n’est guère étonnant, il est sensé avoir été conçu à l’époque de Nerio Winch. On va également pouvoir changer de ville grâce à ce que Jean met en place dans les nouveaux scénarios.

Dans le film, je trouve vraiment audacieux et intéressant le fait d’avoir donné au personnage de Kristin Scott Thomas le rôle de n°2 du groupe. Nous avons nous aussi intégré cette féminisation du monde professionnel dans nos albums : on essaie de maintenir le groupe W à la page, nous y avons peu à peu intégré des femmes. Le propre des BD contemporaines, c’est justement qu’elles peuvent évoluer avec le monde. C’est aussi l’avantage des séries dont de nouveaux albums sont publiés régulièrement. Je peux par exemple, au fil des années, modifier la tenue vestimentaire de Largo par petites touches, changer des éléments, les mettre à jour.

Je pense que le jour où j’arrêterai de dessiner Largo Winch, je proposerai à un dessinateur de poursuivre la série. Je ne vais pas faire comme Hergé et figer la série dans le temps. J’ai envie que le personnage continue à exister après moi. Sous d’autres traits, peu importe. De mon point de vue, le personnage que Jean Van Hamme a inventé correspond à une nouvelle manière d’envisager ce qu’est un héros.
Par contre, tant que je suis aux commandes, je tiens à tout maîtriser. Pour prendre un exemple concret : il n’y aura pas de spin off basé sur la BD aussi longtemps que je serai maître à bord. Quand j’aurai passé le témoin, plus tard, peut-être. Mais j’ai la chance d’être encore jeune et je tiens à assurer une qualité constante à la série.

Jérôme, Jean Van Hamme a-t-il travaillé de concert avec vous sur le scénario ?

Jérôme Salle : Quand j’ai rencontré Jean Van Hamme pour la première fois, je lui ai tout de suite dit que la réalisation du film impliquerait nécessairement certaines trahisons. Et très vite, nous sommes tombés d’accord sur le fait qu’il n’était pas la personne la mieux placée pour faire une nouvelle adaptation de Largo Winch. J’ai écrit le scénario avec Julien Rappeneau. Nous avons régulièrement revu Jean Van Hamme lors de déjeuners informels au cours desquels il nous faisait part de ses impression. Mais nous avons vraiment pu travailler librement. C’était très agréable car Jean et Philippe nous ont fait confiance.
Au niveau de l’écriture, nous avons essayé de retranscrire les deux degrés de lecture que propose la BD, entre action et description intimiste de certaines relations.

Tomer, avez-vous ressenti de la pression lorsqu’on vous a proposé ce rôle ? Avez-vous hésité ?

Tomer Sisley : Pas du tout. Bien sûr, on a des craintes au moment des essais, on espère que l’on va être retenu. Et puis, une fois que j’ai été appelé, j’ai éprouvé beaucoup d’excitation. Il n’y a plus aucune raison d’avoir peur à partir du moment où on m’appelle : cela veut dire qu’on me souhaite et qu’on m’attend.

Jérôme, n’était-ce pas un pari osé que de choisir un acteur méconnu pour jouer le personnage principal ?

Jérôme Salle : Je suis persuadé que c’est beaucoup plus intéressant, pour le public, de découvrir un nouveau visage. D’ailleurs, souvent, les spectateurs se plaignent de toujours voir les mêmes têtes dans les films. Mais dans la phase de production du film, beaucoup considéraient ce choix comme une erreur. Heureusement, j’étais sûr de moi. C’était indispensable étant donnée, par ailleurs, la violence de la réaction de certains fans.

Tomer Sisley : Comme nous l’avons dit plus haut, ce film est une adaptation. Au cinéma, une histoire se raconte différemment que dans un roman ou dans une BD. À ce sujet, je voudrais réagir à une remarque que l’on entend souvent de la part des amateurs de la BD : “pourquoi Simon (un des personnages principaux de la série, le meilleur ami de Largo) n’est-il pas présent dans le film ?” C’est simplement qu’il n’avait pas sa place dans ce film. Pour tout vous dire, dans les premières versions du scénario, il était prévu qu’il apparaisse. Mais il n’aurait pas pu exister et avoir la place qu’il méritait. C’est Jean Van Hamme lui même qui a dit aux scénaristes d’enlever ce personnage.

Peut-on alors imaginer que ce personnage soit introduit dans le prochain film ?

Jérome Salle : (rires) Les producteurs ont habilement laissé fuité qu’il y pourrait y avoir une suite. Mais cela dépend avant tout de la réussite du long métrage qui sort sur les écrans le 17 décembre. Quand on a commencé à travailler sur le projet, on ne s’est jamais dit qu’on en ferait un, et puis peut-être deux, et même trois. Il est déjà bien assez difficile de monter un seul film ! S’il y a une suite, je serai ravi d’y participer. Mais rien n’est formalisé à l’heure actuelle.

Tomer Sisley : Un Largo 2 me tente, oui, s’il est fait avec la même équipe. C’était un vrai bonheur !

Remerciements à Thierry Rocourt (groupe Europalaces), Nathalie Rézeau et Jean-Marc Vigouroux (Le Kinorama).

N’hésitez pas à aller y faire un tour régulièrement afin d’être tenus informés des animations que nous proposons : master class de M. Tensai Okamura, projections de dessins animés japonais exclusifs, création d’un dessin en réseau, concours de cosplay, etc.

En avant-goût de la journée Manga-tan que j’animerai demain, voici la vidéo de mon passage sur Nantes 7, hier soir, dans l’émission de Julien Mahet, Faut s’attendre à tout :

Dans le cadre de la promotion des activités du pôle asiatique du Festival International de Science-Fiction de Nantes (soirée dédiée à Tensai Okamura jeudi 30 octobre à partir de 18h30 et journée Manga-tan dimanche 2 novembre à partir de 14h30), j’ai été invité par deux fois à intervenir sur la radio PRUN’ (92 FM à Nantes). Vous pouvez d’ores et déjà écouter ces émissions en ligne :

• 100 ans de cinéma, sur le thème de “la science-fiction dans le cinéma asiatique”, animé par Alexis Thébaudeau
• Reportage sur le pôle asiatique des Utopiales, réalisé par Thomas Hajdukowicz

En outre, je participerai à l’émission télévisée Faut s’attendre à tout présentée en direct par Julien Mahet vendredi 31 octobre à partir de 18h30. La chaîne est diffusée dans la région nantaise, mais aussi sur la Freebox TV (chaîne n°208). J’y évoquerai en détails la journée Manga-tan. Je serai accompagné de 3 participantes au concours de dimanche :

• Isabelle, qui avait fait forte impression l’an dernier avec son costume de Tortue Ninja, présentera son nouveau cosplay ;
• Emeayanami et Koyo, deux cosplayeuses nantaises qui se sont distinguées lors de précédents concours dans la région, nous impressionneront, j’en suis sûr, par la qualité de leur travail.

J’espère que ces interventions vous donneront envie de découvrir les activités du pôle asiatique des Utopiales !

N’hésitez pas à écouter cette émission ! Je tenterai d’être à la hauteur.

M. Takahata entretient de longue date une relation privilégiée avec la France. Il a en effet étudié la littérature française à l’Université de Tôkyô. C’est dans les années 50 qu’il découvre le travail de Paul Grimault, à travers La Bergère et le Ramoneur (qui correspond au premier montage - désavoué par M. Grimault lui-même - du film qui deviendra plus tard Le Roi et L’Oiseau). C’est un tournant. Isao Takahata explique que c’est grâce à ce film qu’il a pu véritablement cerner les modalités de la conception cinématographique. Et que s’il a choisi l’animation, ce n’est pas parce que ce medium recèlerait des possibilités formelles plus étendues que la prise de vue réelle. Il n’y a pas, selon lui, d’opposition ou de hiérarchie entre ces Il s’est tourné vers le dessin animé car, dit-il, “les modalités de l’animation semblaient mieux correspondre à [son] état d’esprit.” Et M. Takahata d’ajouter : “Par exemple, même pour Le Tombeau des Lucioles, je n’ai jamais eu l’impression de réaliser un film qu’il aurait été possible avec le cinéma en prises de vue réelles. Dans l’adaptation animée que j’ai réalisée, j’ai la sensation que nous avons réussir à montrer une certaine conception de la vie et de la mort. Maintenant, avec la nouvelle adaptation “live” du Tombeau des Lucioles qui va sortir au cours de l’été au Japon, les spectateurs pourront certainement mieux cerner les possibilités propres à chaque registre. Je suis très curieux de voir les choix de mise en scène qui auront été opérés.”

Il faut savoir que M. Takahata se définit plutôt comme metteur en scène que comme auteur. Il explique en effet que la plupart des séries qu’il a réalisées ne partaient pas d’un scénario original, mais de romans déjà existants (à l’instar d’Heidi) : il s’agissait de partir d’une base initiale et de l’étoffer, de la densifier pour en faire un feuilleton. Ceci dit, de l’avis de nombreux spectateurs, l’apport de Isao Takahata à l’animation va bien au-delà. Interrogé sur la portée pédagogique du Tombeau des Lucioles, M. Takahata rappelle qu”il existe, au Japon, de nombreux films traitant de la souffrance des populations pendant la seconde guerre mondiale. Même si elle est méconnue en France, cette production ne peut pas être ignorée. Et, au Japon, nombreux sont ceux qui sont tentés de considérer le Tombeau des Lucioles comme relevant de cette catégorie de titres pacifistes.” M. Takahata enchaîne alors en évoquant ses doutes quant à la portée de ce type d’œuvres : “Mais personnellement, je suis assez sceptique devant ce qualificatif d’”anti-guerre” ou de “pacifiste”. Je ne suis pas sûr que ce type de production - qui montre les horreurs d’une guerre déjà déclarée - soit réellement efficace. A contrario, ce qui me paraît important, c’est de mettre en avant les enjeux éthiques de la guerre : être capable de se questionner sur les raisons d’un conflit qui débute. Et c’est justement toute la force que je trouve dans Le Roi et l’Oiseau. Le long métrage de Paul Grimault met en lumière ce type de perception. De mon point de vue, ce film garde encore aujourd’hui la même justesse dans sa manière de décrire le monde. Notamment à travers la structure verticale de cet univers créé par M. Grimault. Il me semble que cette verticalité prend de plus en plus de place dans les conflits d’aujourd’hui. Le Roi et l’Oiseau est ainsi empreint d’une véritable force d’actualité. Son propos se retrouve aussi bien dans les événements qui se tenaient en Pologne (la création du syndicat Solidarnosc, étape essentielle de la chute du bloc communiste) à la sortie du film en 1980 ou dans les attentats du 11 septembre 2001 à New York.”

Après avoir évoqué le rôle des œuvres de Paul Grimault dans la carrière de Isao Takahata, la tentation est grande de retourner la question : quelle influence M. Takahata pense-t-il avoir eue sur d’autres auteurs ? En la matière, le réalisateur japonais minimise : “Je ne crois pas que mon travail ait eu un impact. Prenez Michel Ocelot [réalisateur de Kirikou et de Azur et Asmar] : j’ai personnellement assuré la supervision des versions japonaises de ses films. Et si je l’ai fait, c’est parce qu’il n’y a rien de comparable au Japon. Je peux vous assurer qu’il n’y a pas la moindre trace de mon influence dans les oeuvres de M. Ocelot !”

Et quand on lui demande s’il est plus particulièrement fier d’un de ses longs métrages, M. Takahata élude la question : “Je n’ai de préférence particulière pour aucun de mes films. Je dois toutefois avouer que Souvenirs Goutte à Goutte occupe une place particulière dans ma filmographie. Cette œuvre a bénéficié d’une réunion exceptionnelle de talents et de compétences.”

Terminons le compte-rendu de cette rencontre en évoquant l’exposition proposée à l’Abbaye de Fontevraud. M. Takahata s’est personnellement investi dans ce projet, il l’a soutenu au sein du studio Ghibli et lui a ainsi permis de voir le jour. Paulette et Henri Grimault ont également contribué à la mise en oeuvre de cet événement. L’exposition, centrée sur les trois artistes majeurs que sont Paul Grimault, Isao Takahata et Hayao Miyazaki, se tient jusqu’au 16 novembre 2008. Des projections de films en plein air et des conférences accompagnant l’exposition sont prévues tout au long de l’été. Le programme complet est disponible sur le site de l’Abbaye.

Remerciements au cinéma Le Katorza, à Jean-Marc Vigouroux, à Xavier Kawa-Topor, à Ilan N’Guyen, à l’équipe de l’Abbaye de Fontevraud et, bien entendu, à M. Takahata. 

Contrairement aux années précédentes, où je m’attachais à offrir un compte-rendu synthétique du festival, je vous propose ici une présentation de mes coups de cœur, tant en termes de longs (12 films vus) que de courts métrages (10 séances). Habituellement, j’écris des chroniques aussi objectives que possibles, en essayant d’analyser aussi bien les forces que les faiblesses des oeuvres auxquelles je m’intéresse ; exceptionnellement pour ce billet (et peut-être d’autres à venir), mes avis seront volontairement très subjectifs et tranchés.

Mia et le Migou, de Jacques-Rémy Girerd

Folimage présentait en avant-première mondiale son nouveau long métrage (sortie prévue en France le 3 décembre 2008). Avec cette nouvelle réalisation, le studio de Valence propose en quelque sorte un Princesse Mononoke à la française. Les thèmes abordés - la préservation de notre environnement face à des industriels sans scrupules, la protection de la nature par de mystérieuses divinités, le voyage initiatique - rappellent immanquablement les préoccupations de Hayao Miyazaki. S’il est difficile de ne pas penser au maître japonais de l’animation en visionnant certaines scènes de Mia et le Migou, le film mêle les influences (l’héroïne a des petits airs de Zia des Mystérieuses Cités d’Or) et se situe, de par les messages véhiculés, dans la droite lignée des précédentes productions de Jacques-Rémy Girerd.

L’histoire met en scène Mia, une fillette d’Amérique du Sud qui a récemment perdu sa mère. Ne supportant plus d’être seule, elle décide de partir à la recherche de son père. Celui-ci est ouvrier sur un chantier dont l’objectif est de transformer une superbe baie naturelle en résidence hôtelière de luxe pour clients fortunés. Le commanditaire du projet est un entrepreneur sans scrupules qui s’est laissé consumer par le travail au point de sacrifier sa vie de famille. Alors quand des incidents mystérieux surviennent sur le chantier, il refuse évidemment de prendre en compte les avertissements que l’environnement lui adresse… Pendant ce temps, Mia traverse le pays et découvre des facettes très diverses de la nature humaine.

Que ce soit clair : Mia et le Migou est mon grand coup de coeur de ce 32e Festival International du Film d’Animation d’Annecy ! Le dessin 2D est superbe, l’animation fluide, l’ambiance musicale en parfaite adéquation avec les images, le propos à la fois touchant et essentiel, le doublage soigné… l’ensemble a été peaufiné avec une précision d’orfèvre, jusqu’au générique de fin qui voient deux chanteurs investis dans la cause environnementale (Olivia Ruiz et Mickaël Furnon) interpréter une chanson spécialement pour l’occasion.

Evangelion: 1.0 You are (not) alone, de Hideaki Anno, Masayuki et Kazuya Tsurumaki

Est-il encore nécessaire de présenter Evangelion, l’œuvre qui a révolutionné l’animation japonaise au milieu des années 90, de par ses audaces narratives et esthétiques ? Le studio Gainax a décidé de se lancer dans une vaste entreprise de “remise à jour” de son titre culte sous la forme de 4 longs-métrages à sortir entre 2007 et 2009. Ce premier opus condense les 6 premiers épisodes de la série télévisée.

En sortant de la séance, que se dire d’autre que “quelle claque !”. Non pas que la technique derrière le film soit révolutionnaire. Elle est de bonne facture, avec une utilisation raisonnable et raisonnée de l’ordinateur. Mais alors qu’on aurait pu s’attendre à une énième reprise des séquences de la série (comme c’était le cas dans le film “compilation” Death), on est surpris de découvrir que chaque plan a été redessiné pour l’occasion. C’est bien simple : on a l’impression de naviguer en terre connue et, pourtant, on est grisé par la sensation de nouveauté. Les ambiances sont ainsi foncièrement respectueuses de l’œuvre initiale tout en ayant leur personnalité propre. Quant au scénario, il est bien connu des fans de longue date (dont je fais partie). Pourtant viennent s’y glisser des éléments inédits : qui sont les mystérieux trois (et non plus deux) premiers anges apparus avant 2015 ? Que planifie véritablement Gendô depuis plus de 15 ans ? Qu’est-ce qui se cache véritablement au cœur du Central Dogma ? Ces nouvelles questions aiguisent l’intérêt du spectateur.

Il eut été difficile de faire une meilleure relecture des débuts d’Evangelion. Le travail d’adaptation est remarquable et confère à ce premier long métrage une unité indiscutable. Evangelion: 1.0 You are (not) alone devrait ainsi plaire aussi bien aux amateurs de la première heure qu’à ceux qui, jusque là, n’avaient pas le courage de se lancer dans cette série d’une dizaine d’heures.

Nul doute que, comme en 1995, Gainax va de nouveau nous mener en bateau. Mais quel pied que de se laisser conduire par d’aussi bons capitaines !

Byôsoku 5 Centimeters, de Makoto Shinkai

Makoto Shinkai est un réalisateur encore injustement méconnu des fans d’animation. Il s’est pourtant distingué dès 2002 sur Hoshi no koe/The Voices of a Distant Star, qu’il a réalisé quasiment seul. Quant à son premier long métrage, Kumo no mukô, yakusoku no basho/The Place Promided in Our Early Days, j’ai déjà au l’occasion de dire tout le bien que j’en pensais.

Makoto Shinkai revient avec un film tout aussi poétique que ses précédentes réalisations. Byôsoku 5 Centimeters est décomposé en trois segments qui ont pour thème commun la distance (amoureuse, physique) séparant des êtres attirés l’un vers l’autre. Des personnages touchants, une esthétique sublime. Byôsoku 5 Centimeters est une pépite proposée dans le plus beau des écrins.

Quelques films supplémentaires à voir

Mon festival a commencé par la projection de Die drei Räuber/Les Trois Brigands, d’après le livre de Tomi Ungere. Un très sympathique film qui a d’ailleurs reçu le prix du public pour les longs métrages. Un conte avec une orpheline, des brigands au grand coeur, et une méchante directrice au nez crochu.

La semaine m’a également donné l’occasion de rattraper mon retard sur certains films et de visionner notamment Peur(s) du Noir auquel ont contribué plusieurs artistes reconnus internationalement dans le milieu de la BD (Blutch, Charles Burns, Lorenzo Mattoti). Une collection de différents courts métrages autour du noir et des cauchemars qui vont avec. L’ensemble se laisse voir avec beaucoup de plaisir. Dommage seulement que toutes les séquences ne soient pas du même intérêt scénaristique.

Enfin, j’ai profité du fait que les Simpson soient mis en avant pour voir le film inspiré de la série TV sorti au cinéma en 2007. Un bon moment de rigolade, tirant pleinement parti du potentiel narratif des différents personnages de Springfield.

Les déceptions

Le deuxième long métrage inspiré par Appleseed (dénommé Appleseed: Ex Machina, produit par John Woo) m’a beaucoup déçu par la faiblesse de son scénario (tout paraît cousu de fil blanc). De même pour le long métrage indien Return of Hanuman, poussif tant dans son scénario que dans son animation - sans parler du fait qu’il m’est douloureux de voir des hommes prier leur dieu de vaincre le mal qu’ils ont eux-même créé.

Terminons cette partie par un mot concernant la projection de Fly me to the Moon : si ce long métrage belge est de facture classique, son plus gros défaut réside dans le mal de tête qu’il provoque. En effet, le film a été conçu pour être visionné en relief avec les lunettes adéquates… et si la technologie a fait de gros progrès au fil des ans, elle n’est pas encore véritablement convaincante.

Compétition officielle de courts métrages

Cette année, mes préférences coïncident globalement avec celles des différents jurys. Auréolé du Cristal du Meilleur Court-Métrage, La Maison en Petits Cubes, du japonais Kunio Kato, constitue une douce évocation de souvenirs pour un grand-père à l’automne de sa vie. Pas d’effets de manche techniques, tout sert ici l’efficacité du récit. KJFG N°5, du russe Alexei Alexeev, est un court métrage de deux minutes très efficace : il met en scène un groupe de musique constitué d’un ours, d’un lapin et d’un loup… mais quand le chasseur arrive, la musique va-t-elle leur être d’un grand secours ?

Enfin Skhizein, du français Jérémy Clapin, narre la vie à la fois comique et grave d’Henri (doublé par Julien Boisselier) , un personnage frappé par une météorite de 150 tonnes… Depuis cet événement, Henri vit à 91 cm de lui-même. Dans un pareil cas, est-il possible de se retrouver ou faut-il plutôt s’accommoder de sa nouvelle condition ?

Parmi les films qui n’ont pas fait l’objet de distinction particulière mais que je conseille vivement figurent :

• Fantasie in Bubblewrap, d’Arthur Metcalf : vous faites partie de ces gens qui prennent un malin plaisir à éclater les bulles des papiers bulles ? Eh bien, découvrez l’envers du décor et le traumatisme horrible que vivent ces petites bulles en voyant leurs consoeurs se faire massacrer par vos gros doigts !
• Hot Dog, de Bill Plympton : le nouveau court métrage du studio Plympton et la confirmation que l’art de Bill Plympton se prête mieux à ce format qu’à celui du long métrage (ainsi Idiots and Angels, l’autre film du réalisateur américain en compétition - mais dans la catégorie des longs métrages - souffrait de longueurs inutiles). Un chien rêve d’aider son maître, pompier de son état. Pour cela, il est prêt à tout, jusqu’à provoquer les pires catastrophes.
• Arrosez-les bien, de Christelle Soutif : drôle et dynamique, un film qui vous fera définitivement douter des bienfaits des OGM !
• The hidden life of the burrowing owl, de Mike Roush : ou comment détourner avec talent les codes du documentaire animalier…
• On the Edge, d’Artem Sukharev et Nikita Ratnikov : à quoi pourrait ressembler la vie d’un patineur artistique qui deviendrait routier ? Tel est le point de départ de ce court métrage particulièrement efficace dans ses exagérations.
• Paradise, de Jesse Rosensweet : en général, je ne suis pas fan de l’animation à base de marionnettes. Pourtant, dans le cas présent, j’ai été charmé par cette histoire dans un univers où tout paraît prédéterminé par les rails sur lesquels évoluent les personnages.

Compétition officielle de films de fin d’étude

Comme à l’accoutumée, le niveau était très hétérogène dans cette catégorie, tant dans la qualité que dans la forme des œuvres en compétition. Un point que nombre de spectateurs ont remarqué : la sélection mettait en avant beaucoup d’oeuvres assez noires et pessimistes. Que feront ces jeunes artistes à l’avenir, s’enfonceront-ils dans la noirceur ou gagneront-ils un peu de lumière ? La question est posée et il nous faudra attendre quelques années avant de pouvoir esquisser une réponse.

De mon point de vue, un film se distinguait très nettement : My Happy End de Milen Vitanov, relecture moderne des cartoon à l’ancienne. Un vrai plaisir !

Quelques films de fin d’étude qui m’ont paru se démarquer : Camera obscura (grâce à un appareillage spécial, un aveugle se retrouve capable de revisualiser les principaux événements de sa vie), Muscleman (un hommage aux combats de robots géants des séries animées japonaises et autres sentai), Office noise (une vision drôle et pertinente des relations au travail), Questions pour un Champignon (court avec une très bonne chute), Oktapodi (cette course-poursuite entre deux poulpes produite par les Gobelins justifie pleinement le prestige de cette école), Hugh (une jolie légende indienne sur la persévérance et la “folie” nécessaire pour changer le monde, avec une mise en scène particulièrement intelligente), La Queue de la Souris (un conte des temps modernes, avec une souris qui doit user de milles astuces pour ne pas être dévorée par le lion de la forêt), Eskimo (ou la véritable nature des glaces que vous dégustez dans les cinémas), Tôt ou tard (quand un écureuil rencontre une chauve-souris solitaire).

Terminons par une note qui intéressera mes lecteurs nantais : deux films produits à l’école Pivaut étaient en compétition… et ils m’ont très agréablement surpris. Au-delà de l’influence manga palpable dans les deux œuvres concernées (O Voo et Marine), la qualité de ces films (réalisé, chacun, par une seule personne) faisait plaisir à voir !

Maintenant, rendez-vous l’an prochain du 8 au 13 juin pour une nouvelle semaine très animée !

Pour aller plus loin

• Comme chaque année, la Bibliothèque Publique d’Information du Centre Pompidou se fait l’écho du Festival à Paris. Elle proposera du 25 au 29 juin une sélection de programmes inspirés par Annecy. C’est ainsi que les Parisiens pourront découvrir les courts et longs métrages primés et retrouver des programmes spéciaux tels que “Les couleurs de l’Inde, Saris et Patchoulis” ou “Supinfocom : 20 ans déjà !”.
• Le dossier annuel consacré au Festival d’Annecy, par Morgan du site Mangaverse.
• Les différents compte-rendus des membres du site des Fous d’Anim’
• Les coups de coeur de SciFi-Universe
• Les génériques projetés avant chaque séance au cours du festival et réalisés par les étudiants de Gobelins, l’École de l’Image
• Une partie de l’émission Court-Circuit (sur Arte) consacré au festival d’Annecy 2008

Après une rupture particulièrement difficile, Ben, étudiant en arts plastiques, n’arrive plus à dormir. Alors, pour rentabiliser ces huit heures de plus qui s’offrent quotidiennement à lui, il décide de prendre un boulot de nuit dans un supermarché. Là, il découvre que ses insomnies ont un drôle d’effet secondaire : il est désormais capable de suspendre le temps pour saisir sur une toile la beauté des clientes du magasin.

Avec ce long-métrage, Sean Ellis adapte le court qui lui avait valu l’estime de la critique. Beaucoup d’humour et de sensibilité dans ce scénario qui invite à profiter des petits trésors du quotidien. Une mise en scène impeccable, une ambiance à part et une bande originale de haut vol (avec, notamment, Bang Gang, Frankie Goes To Hollywood ou encore Röyksopp) font de ce film un incontournable du moment !

Avant d’en évoquer plus précisément le sujet, petit aparté concernant le titre français : je suis prêt à parier qu’on devrait bientôt voir apparaître sur le Net des mouvements anti-{fabuleux, incroyable} destin. Il faut dire que la manoeuvre du distributeur français, qui a certainement souhaité surfer sur l’effet Amélie Poulain, n’est pas des plus fines. C’est pourquoi, dans la suite de ce billet, j’évoquerai ce long-métrage de Marc Forster sous son appellation originelle, Stranger than fiction.

C’est l’histoire d’un contrôleur des impôts qui mène une vie terne et banale. Son quotidien, auparavant réglé comme du papier à musique, prend un tour imprévu le jour où il entend une voix narrer non seulement ses actions mais aussi ses pensées. De fil en aiguille, il découvre qu’il est le personnage d’un roman dont l’auteur, Karen Eiffel cherche désespérément à écrire la fin. Et, pour ce faire, elle a décidé de tuer Harold. Celui-ci n’a plus qu’un espoir : prendre sa vie en main et tenter de transformer en comédie la tragédie à laquelle l’écrivain souhaitait donner naissance.

Le scénario signé Zach Helm - une jolie mise en abîme du processus de création littéraire - est mis en valeur par la réalisation de Marc Forster et le jeu des acteurs (Emma Thompson, Maggie Gyllenhaal, Dustin Hoffman mais aussi Will Ferrell, horripilant dans un bon nombre de ses prestations précédentes, qui propose ici une composition efficace et sans excès). Le film s’ouvre sur quelques intéressantes séquences où intervient un peu d’animation pour suggérer qu’Harold maintient son existence dans une rigueur mathématique paralysante : il compte le nombre de pas nécessaires pour traverser un passage piéton, il trouve en quelques secondes le résultat d’une multiplication de nombres à 3 chiffres, il ne laisse jamais rien au hasard. Ce carcan vole en éclat quand il prend conscience de sa mort prochaine. Si le propos peut paraître convenu, il s’illustre par l’originalité de son traitement. D’autant plus que l’intrigue évite l’écueil des rebondissements mélodramatiques qu’on a l’habitude de trouver dans les productions américaines. Le film évite ainsi le pathos pour offrir à la place une réflexion sur les rapports entre un auteur et ses personnages.

Vous l’aurez compris, Stranger than fiction est une des bonnes surprises cinématographiques de ce début d’année !

Je ne suis habituellement pas un grand amateur de récits mélodramatiques. Mais Philippe Lioret a su préserver Je vais bien, ne t’en fais pas d’une réalisation larmoyante. Il met en scène avec retenue l’impact de la disparition tant sur la famille que sur les amis de Lili. Rien ne paraît jamais vraiment définitif et, quand nous croyons que le scénario nous conduit vers une issue un peu trop évidente, nous sommes pris à contre-pied. L’intrigue, adaptée du roman éponyme d’Olivier Adam, bénéficie ainsi d’une véritable qualité d’écriture.
Le film est magistralement porté par ses interprètes et notamment par trois figures phares. D’abord, Mélanie Laurent (Lili) que ce long-métrage met véritablement sous le feu des projecteurs, après des prestations remarquées dans Embrassez qui vous voudrez et De battre mon coeur s’est arrêté. Ensuite, Julien Boisselier (Thomas, le petit-copain de la meilleure amie de Lili), toujours très à l’aise dans ces rôles de gentil garçon sur lequel les filles peuvent compter. Enfin, Kad (le père de Lili et Loïc), qui prouve que son talent ne se cantonne pas au registre comique.

Je vais bien, ne t’en fais pas est tout à la fois le portrait pertinent d’une jeune fille du XXIe siècle et une réflexion sur l’absence (comment la gérer, comment y survivre). Une oeuvre nuancée qui ne laisse pas indifférent.

Des années ont passé. Mélanie termine son BTS par un stage pratique dans le cabinet d’un avocat. Celui-ci recherche, pour les vacances de Toussaint, une baby-sitter. Mélanie propose ses services et emménage momentanément chez les Fauchécourt. Là, elle côtoie Ariane Fauchécourt, concertiste, son ex-présidente du jury. Ariane ne reconnaît pas la jeune femme. Elle aurait peut-être du. Pétrie de doutes, elle cherche un soutien et croit le trouver en la personne de Mélanie, dont elle fait sa tourneuse de pages. Un rôle d’importance dont la performance de l’artiste dépend directement. Entre rancoeur et admiration, quel est le véritable dessein de Mélanie ?

Filons la métaphore musicale en précisant d’emblée que la partition de Denis Dercourt est pleine de subtilité. Le réalisateur met en scène avec finesse l’ambiguïté des sentiments, la fragilité d’une star jadis au firmament, la force tranquille et inquiétante d’une jeune pousse.
Quand Mélanie s’aventure dans les couloirs sombres du sous-sol de la villa, le spectateur plonge avec elle dans les tréfonds des âmes. Il n’en ressortira véritablement qu’avec le générique de fin. Entre temps, il aura eu le loisir de décrypter chaque geste pour tenter d’apporter un peu de lumière sur les motivations de chacun.

L’habile construction que constitue La Tourneuse de Pages repose pour beaucoup sur ses personnages et, de fait, sur la performance de ses acteurs. Déborah François, révélée dans L’Enfant, est remarquable dans ce rôle à l’opposé de celui qu’elle avait assuré dans le film des Dardenne : ici, les expressions de son visage restent constamment sous contrôle, elles ne dévoilent que quelques rares et équivoques sourires. Catherine Frot est, elle aussi, très convaincante dans la peau de cette femme forte devenue étrangement instable.

Denis Dercourt signe ainsi un nouveau long-métrage séduisant. Seuls ceux qui sont réfractaires à certaines conventions du cinéma d’auteur français (ellipses, lenteurs des séquences, économie des dialogues) devraient être déçus.

La Tourneuse de Pages est donc, vous l’aurez compris, un petit plaisir bien agréable en cette période estivale, souvent synonyme de disette cinéphile.

Terminons sur un lien indispensable pour les accrocs à la bande-originale du film.