Elle viendra nous parler de son travail sur Elinor Jones qui sera justement disponible en avant-première pour la rencontre.

Nous évoquerons aussi… ses autres projets en tant qu’illustratrice/dessinatrice, par exemple son travail régulier sur les affiches de Japan Expo. Un grand moment en perspective, tant Aurore est emblématique de cette jeune génération d’auteurs qui contribuent à l’intégration des codes du manga dans la BD franco-belge !

Rendez-vous mercredi à 17h30 à la FNAC de Nantes !

Nul besoin d’entretenir le mystère : tout en envisageant de nouveaux projets, j’ai décidé de poursuivre dans la voie que j’ai entamée fin 2006. La vulgarisation de la BD et de l’animation sont vraiment des tâches passionnantes. Le public que l’on rencontre à ces occasions est généralement très diversifié et ouvert, ce qui donne lieu à des échanges enrichissants. Il n’y avait aucune raison pour que je m’arrête en si bon chemin, bien au contraire.

C’est dans ce contexte que je participerai dimanche 8 février (de 14h à 15h), sur la radio PRUN’ (92 FM à Nantes) à l’émission 100 ans de cinéma, sur le thème du cinéma d’animation français, animée par Alexis Thébaudeau. J’y évoquerai les rapports de grande proximité qu’entretiennent, depuis longtemps, le septième art et le dessin. Je reviendrai notamment sur certains auteurs phares qui ont marqué l’histoire de l’animation.

Enfin, pour démarrer cette année 2009 sous de bons auspices de partage, j’ai ouvert un compte Twitter afin de garder trace de mes pérégrinations culturelles (notamment en BD et animation). N’hésitez pas à en suivre les mises à jour quotidiennes !

Nous avons droit, en cette fin d’année, à un véritable foisonnement cinématographique autour des œuvres phares de Jean Van Hamme. Entre le film de XIII, diffusé sur Canal + durant le mois de décembre, et la sortie du long métrage adapté de Largo Winch, les amateurs de thriller financier et politique devraient en avoir pour leur argent. Je me focaliserai ici sur l’oeuvre de Jérôme Salle, basée sur les quatre premiers tomes de la BD de Francq et Van Hamme.

Le samedi 29 novembre dernier, le cinéma Pathé Atlantis proposait une journée dédiée à Largo Winch : projection du long métrage en avant-première en présence de l’équipe du film, dédicace de Francq, Jérôme Salle et Tomer Sisley, … Le personnage de milliardaire aventurier créé par Jean Van Hamme il y a 30 ans est plus que jamais sous le feu des projecteurs !

Le film s’ouvre sur l’assassinat de Nerio Winch, magnat de l’industrie, image même du self made man à l’ancienne. C’est justement le moment que choisit un ancien marchand d’armes reconverti dans les affaires pour lancer une OPA sur le groupe W, dont Nerio occupait la tête. Ne pouvant supporter d’être plus longtemps déstabilisé, le conseil d’administration du groupe W est conscient de la nécessité impérieuse de désigner un nouveau dirigeant. C’est sans compter sur le secret que Nerio Winch gardait précieusement : il s’était trouvé un fils, un garçon qu’il avait adopté voilà plus de 20 ans. Cette révélation ne fera pas que des heureux parmi les ambitieux du groupe. Pour réussir à s’imposer, Largo devra non seulement prouver qu’il était adoubé par Nerio, mais aussi qu’il possède toutes les aptitudes pour occuper le poste. Une tâche d’autant plus difficile à accomplir qu’ il est menacé par un complot visant à l’écarter.

“Adapter, c’est trahir” avait déclaré Claude de St Vincent, directeur général adjoint du groupe Média-Participations, pour justifier les libertés prises par le dessin animé de Valérian. Le même constat s’applique pour bien des films inspirés de BD européennes ou américaines. En guise de parenthèse, nous relèverons juste que les Japonais font généralement le choix inverse et restent au plus proche du format papier, et ce avec plus - Death Note - ou moins - Nana - de succès (en attendant de découvrir, le 14 janvier prochain, l’adaptation cinématographique de 20th Century Boys).

Mais revenons au sujet qui nous occupe ici, à savoir les aventures de ce minot de 26 ans qu’est Largo Winch, plus habile pour tomber les femmes que pour porter le costume-cravate du bon business-man. Les scénaristes se sont accordées une bonne marge de manoeuvre par rapport au matériel originel qu’ils avaient à leur disposition (Simon Ovronnaz manque à l’appel, le QG du groupe W est implanté en plein dans Hong-Kong, le machiavélisme de Nerio est un peu gommé), mais sans trahir l’esprit insufflé par Van Hamme. On est ainsi loin de la déception qu’avaient constitué les 38 épisodes de la série TV. L’adaptation est intelligente, elle conserve l’essence de l’œuvre originelle (la paternité, la trahison, les intrigues financières) tout en tirant parti des spécificités du cinéma (flash-back, plans sur l’île de Sarjevane, etc.). Les gardiens du temple crieront peut-être au scandale. Ils oublient malheureusement un peu vite que la BD est elle-même une adaptation. La proposition cinématographique de Jérôme Salle est tout à fait louable : elle réussit à la fois à interpeller le spectateur qui a déjà lu la version papier et à happer le néophyte. Le film n’est bien sûr pas exempt de défauts, à l’instar de scènes d’action convenues et de quelques longueurs. C’est d’ailleurs quand elle s’éloigne de l’action pour décrire les rapports entre les personnages que la réalisation sonne le plus juste. Les faiblesses du long métrage sont ainsi compensées par de vrais morceaux de bravoure, notamment dans le portrait des relations qu’entretient Largo avec sa famille adoptive. Saluons l’audace du casting, qui donne à un humoriste méconnu du grand public, Tomer Sisley, le rôle titre. Un choix payant car on ne doute pas une seule seconde de sa crédibilité dans la peau du jeune milliardaire. Kristin Scott Thomas fait également forte impression dans le rôle d’une femme de poigne du groupe W. Vous l’aurez compris, Largo Winch constitue une des bonnes surprises de cette fin d’année, un agréable divertissement qu’on soit - ou non - lecteur de la BD.

La projection du film était suivie d’une rencontre avec la presse dont vous trouverez la retranscription également dans ces pages.

Largo Winch, de Jérôme Salle
Sur un scénario de Jérôme Salle et Julien Rappeneau
D’après la BD de Jean Van Hamme et Philippe Francq
Avec Tomer Sisley, Kristin Scott Thomas, Gilbert Melki, Mélanie Thierry, …
A partir de 13 ans
Sortie française : 17 décembre 2008

Quand on réalise un film d’action comme Largo Winch, comment cherche-t-on à se placer par rapport aux films d’action américain ?

Jérôme Salle : Largo est un film d’aventure plutôt qu’un film d’action. Ceci précisé, je reconnais que nous sommes obligés de rivaliser avec les films américains. Car pour disposer d’un budget suffisamment confortable pour ce genre de production, on est obligé de vendre les droits dans le monde entier. Du coup, par effet de levier, on est obligé d’élever le niveau. Il importe toutefois de ne pas copier les Américains. Il faut faire avec ce que nous sommes, avec notre culture.

Comment avez-vous géré la prise de liberté nécessaire à une adaptation cinématographique ? Entre autres, comment vous êtes-vous placé par rapport aux fans de la BD ?

Jérôme Salle : J’avais lu une interview très sensée de Georges Lucas - et il a sacrément plus de bouteille que nous dans le domaine ! - à propos d’Indiana Jones : “Chaque fan a sa propre idée concernant vos héros. Il faut toutefois s’en affranchir et prendre le parti de poursuivre avec sa propre sensibilité“. J’ai justement essayé de proposer mon adaptation, ma vision de la BD. Dans ce processus, ce qui m’apparaissait vraiment essentiel, c’était d’identifier l’esprit de la BD et de le conserver. Mon idée était de proposer, avec d’autres moyens, le même plaisir, la même jubilation que l’on éprouve devant l’œuvre originelle.

Philippe Francq : Vous ne ressentiriez pas de suspense si l’adaptation cinématographique était un simple décalquage du film. À titre personnel, j’étais assez enthousiaste la première fois où j’ai vu le film. J’étais véritablement capté et je me suis laissé entraîner dans l’histoire.

Justement Philippe, en tant que dessinateur, quelle est votre réaction quant aux différences que le film introduit par rapport à la BD ?

Philippe Francq : Tout d’abord, il ne faut pas oublier que Largo Winch fut d’abord un roman de Jean Van Hamme ! La BD est elle-même une adaptation. Je ne me sens donc pas propriétaire du personnage. Jean et moi sommes les premiers à apporter du changement dans nos histoires, dans la constitution de nos personnages. Il y a quelque chose de très agréable à prendre à contre-pied les habitudes des lecteurs. D’ailleurs, dans les deux prochains tomes, pas mal d’éléments vont être chamboulés. À titre d’exemple, cela fait dix ans que je supplie Jean de pouvoir mettre en place un nouveau building pour le groupe W. L’actuel est complètement dépassé : ce n’est guère étonnant, il est sensé avoir été conçu à l’époque de Nerio Winch. On va également pouvoir changer de ville grâce à ce que Jean met en place dans les nouveaux scénarios.

Dans le film, je trouve vraiment audacieux et intéressant le fait d’avoir donné au personnage de Kristin Scott Thomas le rôle de n°2 du groupe. Nous avons nous aussi intégré cette féminisation du monde professionnel dans nos albums : on essaie de maintenir le groupe W à la page, nous y avons peu à peu intégré des femmes. Le propre des BD contemporaines, c’est justement qu’elles peuvent évoluer avec le monde. C’est aussi l’avantage des séries dont de nouveaux albums sont publiés régulièrement. Je peux par exemple, au fil des années, modifier la tenue vestimentaire de Largo par petites touches, changer des éléments, les mettre à jour.

Je pense que le jour où j’arrêterai de dessiner Largo Winch, je proposerai à un dessinateur de poursuivre la série. Je ne vais pas faire comme Hergé et figer la série dans le temps. J’ai envie que le personnage continue à exister après moi. Sous d’autres traits, peu importe. De mon point de vue, le personnage que Jean Van Hamme a inventé correspond à une nouvelle manière d’envisager ce qu’est un héros.
Par contre, tant que je suis aux commandes, je tiens à tout maîtriser. Pour prendre un exemple concret : il n’y aura pas de spin off basé sur la BD aussi longtemps que je serai maître à bord. Quand j’aurai passé le témoin, plus tard, peut-être. Mais j’ai la chance d’être encore jeune et je tiens à assurer une qualité constante à la série.

Jérôme, Jean Van Hamme a-t-il travaillé de concert avec vous sur le scénario ?

Jérôme Salle : Quand j’ai rencontré Jean Van Hamme pour la première fois, je lui ai tout de suite dit que la réalisation du film impliquerait nécessairement certaines trahisons. Et très vite, nous sommes tombés d’accord sur le fait qu’il n’était pas la personne la mieux placée pour faire une nouvelle adaptation de Largo Winch. J’ai écrit le scénario avec Julien Rappeneau. Nous avons régulièrement revu Jean Van Hamme lors de déjeuners informels au cours desquels il nous faisait part de ses impression. Mais nous avons vraiment pu travailler librement. C’était très agréable car Jean et Philippe nous ont fait confiance.
Au niveau de l’écriture, nous avons essayé de retranscrire les deux degrés de lecture que propose la BD, entre action et description intimiste de certaines relations.

Tomer, avez-vous ressenti de la pression lorsqu’on vous a proposé ce rôle ? Avez-vous hésité ?

Tomer Sisley : Pas du tout. Bien sûr, on a des craintes au moment des essais, on espère que l’on va être retenu. Et puis, une fois que j’ai été appelé, j’ai éprouvé beaucoup d’excitation. Il n’y a plus aucune raison d’avoir peur à partir du moment où on m’appelle : cela veut dire qu’on me souhaite et qu’on m’attend.

Jérôme, n’était-ce pas un pari osé que de choisir un acteur méconnu pour jouer le personnage principal ?

Jérôme Salle : Je suis persuadé que c’est beaucoup plus intéressant, pour le public, de découvrir un nouveau visage. D’ailleurs, souvent, les spectateurs se plaignent de toujours voir les mêmes têtes dans les films. Mais dans la phase de production du film, beaucoup considéraient ce choix comme une erreur. Heureusement, j’étais sûr de moi. C’était indispensable étant donnée, par ailleurs, la violence de la réaction de certains fans.

Tomer Sisley : Comme nous l’avons dit plus haut, ce film est une adaptation. Au cinéma, une histoire se raconte différemment que dans un roman ou dans une BD. À ce sujet, je voudrais réagir à une remarque que l’on entend souvent de la part des amateurs de la BD : “pourquoi Simon (un des personnages principaux de la série, le meilleur ami de Largo) n’est-il pas présent dans le film ?” C’est simplement qu’il n’avait pas sa place dans ce film. Pour tout vous dire, dans les premières versions du scénario, il était prévu qu’il apparaisse. Mais il n’aurait pas pu exister et avoir la place qu’il méritait. C’est Jean Van Hamme lui même qui a dit aux scénaristes d’enlever ce personnage.

Peut-on alors imaginer que ce personnage soit introduit dans le prochain film ?

Jérome Salle : (rires) Les producteurs ont habilement laissé fuité qu’il y pourrait y avoir une suite. Mais cela dépend avant tout de la réussite du long métrage qui sort sur les écrans le 17 décembre. Quand on a commencé à travailler sur le projet, on ne s’est jamais dit qu’on en ferait un, et puis peut-être deux, et même trois. Il est déjà bien assez difficile de monter un seul film ! S’il y a une suite, je serai ravi d’y participer. Mais rien n’est formalisé à l’heure actuelle.

Tomer Sisley : Un Largo 2 me tente, oui, s’il est fait avec la même équipe. C’était un vrai bonheur !

Remerciements à Thierry Rocourt (groupe Europalaces), Nathalie Rézeau et Jean-Marc Vigouroux (Le Kinorama).

Un petit flash-back pour commencer : Manu Larcenet a longtemps collaboré au magazine Fluide Glacial où il a fait ses premières armes. Parallèlement, il a développé différents projets pour des éditeurs aussi variés que Glénat, Dupuis, Delcourt… et bien entendu Dargaud (chez qui il signe Le Combat Ordinaire en 2003, probablement son oeuvre la plus connue) et Les Rêveurs (une structure associative qu’il a contribué à créer). Aujourd’hui, il ne publie plus que chez ces deux dernières maisons d’édition, chez lesquelles il dit se sentir particulièrement bien. Il y apprécie d’être bien traité, mais surtout, il est sensible au fait que, dans ces deux structures, “on trouve des gens qui aiment vraiment les livres“. Larcenet regrette ainsi que, chez certains, la BD ne soit plus vue que comme un produit commercial… tout comme il fustige le peu d’exigence de quelques éditeurs vis-à-vis des ouvrages qu’ils publient. L’auteur du Combat Ordinaire n’y va d’ailleurs pas avec le dos de la cuillère quand il affirme que, pour lui, “il y a désormais 95% de merdes, de trucs à jeter.” La raison ? “Les éditeurs n’accompagnent plus suffisamment les jeunes auteurs sur leurs projets. Ils ne les mettent pas face à leurs erreurs. L’autre problème, c’est qu’un certain nombre de jeunes ont une vision faussée du métier : pour eux, ce qui compte, c’est la fin, autrement dit le fait d’avoir un album publié. Or, à mon avis, l’important est de réussir à raconter une belle histoire. Et ce que j’aime, c’est le travail pour y parvenir.”

En parlant de travail, quelles sont les références de Larcenet ? Courbet, Cézanne et Picasso… autant de grands noms dont il admirait les tableaux lorsqu’il traînait au Musée d’Orsay à 15 ans. Larcenet poursuit alors en expliquant que, selon lui, leurs successeurs ne sont pas à chercher du côté de l’art contemporain, mais plutôt des auteurs de BD tels que Blutch et Reiser. Quelques échanges suffisent à sentir la passion de Larcenet pour l’art au sens le plus large, de la peinture au cinéma en passant par la musique.

Au delà des différentes formes artistiques, qu’en est-il du fond ?
Quand on se risque à lui rappeler que ses BD sont souvent perçues comme engagées, Larcenet se redresse et conteste : “Je ne fais que des BD non engagées. J’ai longtemps milité dans des groupuscules d’extrême-gauche, tel le Scalp, et je n’ai pas aimé ce que je devenais. Alors, bien entendu, mes albums sont le reflet de ma sensibilité. Mais je n’invite personne à suivre ce regard-là.” Et lorsqu’on évoque l’une des dernières scènes du Combat Ordinaire, les huit pages de discussions entre Marco et Pablo au lendemain de l’élection de Nicolas Sarkozy en tant que Président de la République, Larcenet est embêté qu’on la voit comme éminemment politique. “Si les lecteurs la perçoivent ainsi, c’est que j’ai raté quelque chose“, confesse-t-il avec une sincérité touchante. “Cette séquence, c’est simplement le discours d’un homme qui a trop bu, pour finir sur un passage de témoin entre Pablo et Marco. Car ce qui constitue véritablement le thème des quatre tomes du Combat Ordinaire, c’est la transmission.”

Devant un récit accordant une telle place à l’intime, il est tentant de rechercher les similitudes entre la fiction et la vie de l’auteur. Mais Larcenet se défend de toute velléité auto-biographique : “Plus jeune, j’ai fait de l’auto-biographie chez Les Rêveurs. Mais j’ai choisi d’aller au-delà. Le Combat Ordinaire n’est surtout pas de l’auto-biographie. Bien entendu, j’insère des éléments qui me tiennent à coeur. Je m’attache néanmoins à ne pas faire réagir Marco comme je le ferais moi-même. Et c’est justement jouissif de lui faire solutionner des problèmes que je n’ai, pour ma part, toujours pas solutionnés. Selon moi, il faut passer par la fiction pour accéder à une forme de vérité.” Et Larcenet de citer alors Lacan : “La vérité a une structure de fiction.”

Ses projets ? Certainement un nouveau Retour à la Terre pour l’automne (Jean-Yves Ferri en termine le scénario), un projet plus expérimental pour Les Rêveurs et, bien entendu, Blast (série à paraître chez Dargaud). Ce dernier titre est le projet que l’auteur met actuellement le plus en avant, notamment sur son blog : la descente aux enfers d’un homme qui va mal, à mille lieux de la trajectoire plus lumineuse du héros du Combat Ordinaire. Mais quand on voit la richesse et la profondeur de Larcenet, on sait d’ores et déjà que, même en parlant de descente, il tirera ses lecteurs vers le haut.

Pour aller plus loin :
- la chronique du quatrième tome du Combat Ordinaire que j’ai publiée mi-mars et celle proposée par Nathalie Rézeau sur le site du Kinorama
- la retranscription de l’entretien donné par Manu Larcenet au Kinorama

Remerciements à Angèle Pacary (Dargaud), Nathalie Rézeau et Jean-Marc Vigouroux (Le Kinorama) pour avoir permis cette rencontre.

Nanami est une très belle BD d’aventure à destination des 12-18 ans et, plus particulièrement, des adolescentes de cet âge. Le dessin de Nauriel est joli (et carrément enthousiasmant pour ce qui est des couvertures) et se marie parfaitement avec l’ambiance générale dépeinte par les scénaristes. Nauriel, Corbeyran et Sarn : un trio gagnant qui, espérons-le, parviendra à maintenir ce très bon cap jusqu’au dénouement de cette série !

Nanami T.2, par Nauriel, Corbeyran et Sarn
Série en cours, deux tomes parus sur quatre prévus
Genre : fantastique
À partir de 11 ans
Éditeur : Dargaud
Collection Cosmo

Mon avis : Recommandé

Après Elle(s) qui lui aura valu de percer dans le monde de la BD, Bastien Vivès signe, avec Hollywood Jan, son deuxième album. Pour ce nouveau titre, il s’est adjoint les services de Michaël Sanlaville, un de ces complices. Ensemble, ils réalisent une histoire touchante sur la traversée de l’adolescence. Le dessin est vif, le découpage des planches nerveux et le morcellement de l’intrigue en courts chapitres permet de multiplier les tranches de vie. On sent bien que les auteurs se sont amusés avec leurs personnages, n’hésitant pas à grossir le trait quand ils dépeignent des scènes embarrassantes. L’ensemble est dynamique et se lit en toute fluidité. La collection KSTR, qui se revendique “rock’n roll”, débute l’année en haut des charts !

Hollywood Jan, par Bastien Vivès et Michaël Sanlaville
Récit complet en un tome
Genre : récit initiatique
À partir de 14 ans
Éditeur : KSTR

Mon avis : Pourquoi pas ?

François Duprat signe une bande dessinée au goût doux-amer autour de l’insensibilité, de la solitude et des carapaces qu’on endosse pour mieux faire face aux épreuves de la vie. Le résultat, sans confiner au chef d’œuvre est une sympathique découverte hivernale. Derrière le vernis de personnages banals - parfois trop peu approfondis - se cachent des fêlures plus profondes. Un récit initiatique pour trentenaires mal dans leur peau… voilà une des lectures possibles de cette BD. En la refermant, reste le souvenir des cases touchées par une grâce rare, celles représentant les pas de danse de cette Esmeralda des temps modernes qu’est l’héroïne. Des moments privilégiés qui ramènent le lecteur à son propre rapport à la liberté.

Il fera beau demain, par François Duprat
Récit complet en un tome
Genre : quête de soi
À partir de 14 ans
Éditeur : Carabas

Mon avis : Pourquoi pas ?

Dans un village touché de plein fouet par la stérilité de nombreuses terres, un sorcier se prétend capable de créer un artefact susceptible d’aborder l’abondance de récoltes. Mais rien ne se passe comme prévu : le sorcier est tué par une mystérieuse et redoutable bête qui est apparue, soit disant pour protéger la forêt. Nul bataillon de soldats ne semble être suffisamment aguerri pour faire le poids. Dès lors, le petit village prépare un nouveau stratagème. Et le temps passe. Jusqu’à ce jour où la Bête décide d’épargner la jeune et jolie Bellyana. Celle-ci paraît appelée à jouer un grand rôle dans la tragédie en cours depuis plus de dix ans.

Avec cette nouvelle œuvre en un tome, Patrick Sobral s’attaque à un genre plus dur et adulte que ce qu’il a créé jusqu’alors. Pour l’occasion, il arbore un style plus classique, plus européen, sans renier pour autant ses influences japonaises. L’ensemble est harmonieux et convainquant, à quelques petites maladresses près.

Niveau scénario, l’auteur sait éviter les faux suspenses, ce qui permet à l’intrigue d’aller à l’essentiel. Cette qualité mérite d’être soulignée tant l’exercice de l’adaptation d’un classique de la littérature est délicat. Patrick Sobral construit une histoire dynamique, sans temps mort. Au-delà des révélations que réserve le scénario (et qui sont toutes relativement prévisibles), c’est surtout la conclusion du récit (et le lien qui unit Bellyana et la Bête) qui suscites moultes interrogations.

Avec cet album, Patrick Sobral laisse momentanément de côté les jeunes pour s’adresser à un public plus mâture. Un pari réussi, tant par les modifications qu’il apporte à son dessin, que par les thématiques abordées. Et même si la fin ne fait pas l’unanimité (n’y a-t-il donc pas de moyen pour surpasser le destin ?), La Belle et la Bête constitue une jolie BD pour adolescents et adultes.

La Belle et la Bête, par Patrick Sobral
Récit complet en un tome
Genre : aventure
À partir de 13 ans
Éditeur : Delcourt

Mon avis : Recommandé

Il n’y a pas de bande dessinée que j’ai lu et relu plus souvent que Le Combat Ordinaire. Ces albums m’auront accompagné durant toute ma vie de jeune adulte. Mes interrogations auront trouvé écho dans ces livres. Jusqu’à un point assez effrayant, puisque le hasard aura voulu que mon père disparaisse peu après celui du personnage principal dans la BD.
Dire que j’attendais avec impatience la conclusion de cette série est un euphémisme.

Ce quatrième tome surprend dès sa première planche. Le saut temporel entre la fin du précédent volume et celui-ci décontenance. Mais nous en comprenons rapidement la portée : Marco a changé, il a mûri. À bien y réfléchir, tout ceci était évident : les bases de sa métamorphose ont été posées dans les trois opus précédents. Le premier voyait Marco envisager enfin sérieusement une vie stable à deux (avec toute l’angoisse que cela générait en lui). Le second le montrait aux prises avec la difficulté de se réaliser professionnellement parlant tandis que, dans le troisième, il soldait ses comptes avec ses démons et se replaçait dans la marche du monde. Le quatrième et dernier tome ne pouvait donc que nous présenter un Marco plus serein (ses crises d’angoisse semblent avoir disparu), qui tente de vivre à son échelle - sans illusions mais sans cynisme - , de ne rien manquer des instants précieux que l’existence lui offre.

L’auteur conclut ainsi merveilleusement un titre qui aura marqué durablement des milliers de lecteurs. La maîtrise du trait - plus habile que jamais pour suggérer la force de chaque situation (vous ai-je dit qu’Émilie est sans doute la plus belle femme jamais représentée dans une BD ?) - se conjugue avec un scénario exigeant. Ce sans-faute couronne une œuvre majeure, intelligente et profondément humaine. Une fin à la hauteur et une série tout bonnement incontournable !

Le Combat Ordinaire T.4, Planter des Clous, par Manu Larcenet
Série (terminée) en 4 volumes
Genre : quête de soi, réflexion politique (au sens étymologique du terme)
À partir de 14 ans
Éditeur : Dargaud

Mon avis : Indispensable !

À travers ces jeunes filles, Sophie Michel et Emmanuel Lepage personnifient des situations de plus en plus répandues. Si le récit peut paraître haché du fait de l’incessant va et vient entre les héroïnes, il est porté par une fraîcheur salutaire. En quelques mots, en quelques cases, les auteurs esquissent des caractères bien marqués. Et sans jamais sombrer dans le cliché, délivrent un beau message de fraternité. Le dessin de Lepage s’épanouit dans cette histoire très proche du réel, allant jusqu’à s’affranchir du cadre restreint des cases quand l’enthousiasme l’emporte sur le tragique. Voilà un titre prometteur dont j’attends impatiemment la suite !

Oh les filles ! Première partie, par Emmanuel Lepage et Sophie Michel
Série (en cours) : un seul tome paru pour le moment
Genre : Portrait de jeunes filles de notre époque
À partir de 14 ans
Éditeur : Futuropolis

Mon avis : Recommandé !

Okhéania se lit sans accroc, mais aussi sans accroche : l’ensemble est divertissant mais le développement paraît banal. Le récit, assez simple dans ses enjeux, est à conseiller plutôt à un jeune public en mal d’aventures qu’à un lectorat adulte. Reste toutefois un bel hommage aux thématiques écologiques telles que les a popularisées le réalisateur japonais Hayao Miyazaki.

Okhéania T.1, par Eric Corbeyran et Alice Picard
Série en cours, un tome paru sur quatre prévus
Genre : fiction écologique
À partir de 11 ans
Éditeur : Dargaud
Collection Cosmo

Mon avis : Pourquoi pas ?

Le Pavillon Chine : une invitation à la découverte

Le Festival International de la BD d’Angoulême est, de par sa diversité, une occasion fantastique pour s’ouvrir à d’autres styles d’arts graphiques que ceux dont on a l’habitude. Entre les espaces consacrés aux gros éditeurs, aux éditeurs indépendants, à la jeunesse ou aux jeunes talents et les expositions et conférences dédiées à certains auteurs incontournables ou méconnus de la bande-dessinée mondiale, il y a de quoi faire. Sans même parler des rétrospectives ou des pays que la manifestation met à l’honneur à chaque édition.

Cette année, actualité oblige (les Jeux Olympiques d’été se tiendront du 8 au 24 août à Pékin - nommée Beijing en mandarin), la Chine était sous le feu des projecteurs d’un bon nombre d’événements. Une journée spéciale (le vendredi) lui était d’ailleurs dédiée. De nombreux auteurs avaient fait le déplacement. Plusieurs sont déjà publiés en France (chez l’éditeur Xiao Pan et chez Kana), à l’instar de Ji Di (My Way), Pocket Chocolate (Butterfly in the Air, Le Mont du Sud), Yao Feila (80°C) ; d’autres ne le sont pas encore, mais mériteraient vraiment de voir leurs oeuvres éditées dans l’Hexagone (je pense notamment à Rain et à Zhu Letao). Le créateur des mascottes des J.O., Wu Guanying, était lui aussi de la partie. La volonté de la Chine de tisser de nouveaux liens culturels avec l’Occident est profonde. Les nombreux efforts de la délégation chinoise pendant le festival sont là pour en attester. On ne pouvait qu’admirer l’ardeur à la tâche affichée par les invités chinois. Certains allaient même jusqu’à profiter du soir pour perfectionner le dessin qu’ils avaient réalisé pour la fresque réunissant auteurs chinois et européens.

En entrant dans le pavillon consacrée à la Chine, on ne pouvait qu’être séduit son côté accueillant : couleurs chaudes, espace feutré, grande proximité avec les auteurs. La découverte n’en était que plus agréable. Ce qui m’a d’ailleurs motivé à me plonger un bon nombre de manhuas (BD chinoises) pendant le festival. Je reviendrai prochainement sur ces lectures.

En tout cas, cet espace - et l’énergie qui l’habitait - restera, pour moi, l’un des meilleurs souvenirs de ce 35e Festival de la BD d’Angoulême.

Exposition Lou : quand l’adolescence fleure bon le bien-être

Fan de Lou depuis la première heure, j’espérais que l’oeuvre de Julien Neel remporte l’Essentiel Jeunesse. Le jury, composé uniquement d’enfants, lui a préféré Sillage de Morvan et Buchet. Heureusement je pouvais me consoler de cette déception avec la très mignonne exposition consacrée à mon adolescente de papier préférée sur le pôle Jeunesse : le visiteur pénétrait ainsi dans l’appartement de Lou et de sa Maman, entrait dans leur cuisine (le frigo renfermait même des choux de Bruxelles !), pouvait s’affaler dans le coin télévision agrémenté d’une GameCube, se reposer dans la chambre de la jeune fille (toutefois rythmée au sein du poste-radio), … Un univers enchanteur dans lequel il faisait bon se promener. Pour ajouter encore au charme, Julien Neel venait régulièrement dédicacer dans cet espace, assis sur un canapé avec, à côté de lui, les enfants qui attendaient patiemment un dessin. Un moment magique pour les petits, bien loin des affres de certaines séances de dédicaces qui se tenaient dans la “bulle” consacrée aux éditeurs.

À noter que, pendant cette exposition, les festivaliers pouvaient découvrir une petite bande-annonce de 54 secondes du futur dessin animé de Lou (sur les écrans en 2008, produit par Go-n Productions, avec la participation de Glénat, M6 et Disney Channel). On y apercevait les personnages (sous forme de crayonnés) prendre vie et la présentation des principaux décors de la série. Élément notable : une sympathique chanson japonaise accompagnait l’ensemble. Est-ce un signe tendant à dire que le générique de Lou serait une chanson franco-japonaise, comme cela a pu être le cas sur Oban Star Racers ?

Exposition Clamp

La bande-dessinée japonaise avait son emplacement bien identifié au sein du festival : l’espace Franquin, rebaptisé pour l’occasion Manga Building. Passée la déception première - la faute à l’austérité du bâtiment, dont l’extérieur était heureusement rehaussé par les sympathiques décorations conçues par Meko, on avait le choix entre plusieurs expositions, notamment une consacrée au studio Clamp.

Il s’agit de quatre femmes, Ohkawa Nanase, Mokona Apapa, Mick Nekoï et Igarashi Satsuki, qui ont bâti une des oeuvres les plus marquantes des 20 dernières années en manga (comptant, entre autres, Rg Veda, X, Card Captor Sakura, Magic Knight RayEarth, Tsubasa Reservoir Chronicle ou xxxHoLiC). L’exposition qui leur était consacrée avait été fort bien préparée par les deux commissaires d’exposition, Julien Bastide et Nathalie Bougon, ainsi que par le principal éditeur des titres de Clamp en France, Pika : introduction à leurs principaux succès, dessins allant du crayonné jusqu’à la planche finie pour montrer le travail d’élaboration d’une page, illustrations couleurs (avec des dessins originaux en provenance directe du Japon, ce qui est très rare pour une exposition montée en France !), documentaire tourné au sein du studio… Tout était fait pour rendre hommage comme il se doit à ces talentueuses créatrices.

Atelier autour de la traduction du manga

Pendant les quatre jours que durait le festival, Grégoire Hellot (bien connu du petit milieu des amateurs de mangas et de jeux vidéos en France de par ses nombreuses activités, notamment comme testeur à Joypad, scénariste de France Five et actuellement directeur de collection chez Kurokawa) donnait quotidiennement une initiation à la traduction-adaptation de mangas au sein du Manga Building. À l’aide d’un support vidéo-projeté et de planches géantes issues de titres édités par Kurokawa (notamment le très attendu Saint Seiya - The Lost Canvas), il sensibilisait son public à la langue japonaise et aux problèmes que pose la francisation d’une BD japonaise. Réussir une conférence à la fois ludique et pédagogique est toujours un exploit : à l’issue des deux heures que duraient ces ateliers, on ne pouvait que tirer son chapeau à Grégoire Hellot pour la pertinence de son propos et de ses exemples, son humour et son dynamisme.

Fantastique scénographie sur l’exposition consacrée à BD argentine

Avec José Muñoz comme Président du Festival, la manifestation accueillait une sublime exposition consacrée à la BD Argentine, des années 30 à nos jours, au Centre National de la Bande Dessinée et de l’Image. La scénographie a fait l’objet d’un soin particulier. Elle immerge le visiteur dans l’Amérique du Sud des années 50, avec des musiques latines, des lumières tamisées, des kiosques à journaux. Cet hommage à la création dessinée de tout un pays (avec des planches de Carlos Cruz, Alberto Breccia, Quino, Copi et tant d’autres) est bienvenu. Il montre que la vitalité de la BD n’est pas seulement à chercher du côté des États-Unis, de l’Europe ou du Japon. Mais que c’est le monde entier qui s’est approprié ce média exceptionnel qu’on nomme désormais neuvième art.

Les récits peuvent être très courts (6 planches) ou plus étendus, tous frappent par leur justesse. Jusqu’à toucher au coeur le lecteur qui n’y prenait pas garde, comme le fait la chute de la seconde nouvelle, Lili et Charlie. Dans des récits aussi éclectiques (on y croise le Chaperon Rouge, le lapin d’Alice au Pays des Merveilles ou encore le gratin du show-business) qu’efficaces, l’auteur explore le large panel des sentiments humains contradictoires : de l’ingénuité feinte à l’assumation des sacrifices nécessaires à l’affirmation de soi en passant par l’amour obsessionnel, Le rouge vous va si bien propose des nouvelles amorales maîtrisées et percutantes, portées par le dessin faussement naïf de son auteur. Encore un bel ouvrage pour la collection Bayou de Gallimard !

Le rouge vous va si bien, par Lucie Durbiano
One-shot
Genre : relecture de contes, exploration des sentiments humains
À partir de 15 ans
Éditeur : Gallimard
Collection : Bayou

Mon avis : Indispensable ! 

Luce, une petite fille, passe une partie de l’été chez son grand-père, dans un village de campagne. Comme le suggère le titre, elle y sera confrontée à la disparition d’une personne. Springer relate ainsi comment une gamine prend conscience du sort qui attend chaque être vivant. Il dépeint au passage les différents comportements du 3e âge vis-à-vis de la mort : fatalistes, certains considèrent qu’ils ne sont plus de prime jeunesse et qu’ils doivent attendre leur heure tandis que d’autres, plus combattifs, vivent chaque instant pleinement, sans sombrer dans l’auto-apitoiement.

Ce portrait de générations donne l’occasion à l’auteur de livrer des planches en noir et blanc pleines de subtilités, tant dans les rythmes que dans les cadrages adoptés. Une belle oeuvre, toute en nuances, qui séduit par son authenticité !

Les Funérailles de Luce, par Benoît Springer
One-shot
Genre : quotidien des personnes âgées, découverte du concept de “mort”
À partir de 14 ans
Éditeur : Vents d’Ouest

Mon avis : Chaudement recommandé